| Título en castellano | Infierno en la Bahia de San Francisco |
| Titulo original | Hell on Frisco Bay |
| Año de filmación | 1959 |
| Duración | 98′ |
| Pais | Estados Unidos |
| Director | Frank Turtle |
| Guion | Sydney Boehm, Martin Rackin (Novela: William P. McGivern) |
| Música | Max Steiner |
| Dirección de fotografia | John F. Seitz |
| Reparto |
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| Productora | Jaguar Productions |
| Sinopsis | Cuando el policía Steve Collins está a punto de desmantelar la organización de Vic Amato, un mafioso de San Francisco, cae en una trampa y va a parar a San Quintin, condenado por asesinato. Tras cinco años de reclusión, recobra la libertad y se lanza a la caza del responsable del complot. |
| Premios | |
| Subgénero/Temática | Crimen, Drama, Policiaco, Thriller |
Un interesante thriller de 1955, dirigido por el experto y sobrio Frank Tuttle, con muchos de los ingredientes del cine negro clásico que dotan de brillantez a esta entretenida película: investigación, falso culpable, mafia portuaria, asesinos sin escrúpulos, corrupción policial y violencia extrema.
Las indagaciones por parte de un policía acusado de un asesinato que no ha cometido, hasta dar con el verdadero culpable, da pie a un despliegue de personajes memorables entre los perímetros mafiosos de la bahía de San Francisco.
Tanto Alan Ladd, un duro policía buscando venganza por la injusticia que con él se ha cometido, y atormentado con la relación amorosa con su mujer tras años de prisión, como Edward G. Robinson, encarnando a un brutal asesino que no duda en eliminar a cualquiera que trate de interponerse en sus delictivos asuntos, están impecables y bordan sus papeles. Y con unos actores secundarios impresionantes que dan la réplica a la perfección a los dos protagonistas.
La trama, en principio, es consistente y la dirección enérgica y digna, con algunas magníficas escenas llenas de garra. Pero hay que matizar un par de aspectos.
El primero de esos aspectos es que el film se me antoja que ha sido despojado de parte de su íntegro metraje por parte de los montadores, lo que nos muestra una narración a veces dispersa y que funciona como si faltasen trozos del guion original.
El segundo de los aspectos es la creación de la atmósfera: se echa de menos los ambientes inquietantes, turbios, densos y nocturnos que sí atesoraban las cintas negras clásicas.
Pero dejando a un lado estas dos consideraciones, estamos ante un trabajo serio y logrado, con personajes rotundos dotados de psicología y que hará las delicias de todos los aficionados al género negro.
En marzo de 1955, On the Waterfront , dirigida por un ex comunista que nombró nombres para el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara, ganó ocho premios Oscar por una película sobre un tipo caído que se enfrenta a un sindicato criminal corrupto en los muelles de Nueva York, dirigido por una figura paternal carismáticamente viciosa. Nueve meses después, Warner Bros. lanzó Hell on Frisco Bay, dirigida por un ex comunista que nombró nombres para el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara, una película sobre un hombre traicionado que se enfrenta a una unión criminal corrupta en los muelles de San Francisco, dirigida por una figura paternal carismáticamente viciosa. Alan Ladd interpreta a Steve Rollins, un policía acusado de homicidio por el chantajista Vic Amato (Edward G. Robinson) cuando se acerca demasiado al imperio criminal de este último. Después de cinco años en la prisión estatal de San Quintín, Rollins se ha convertido en una máquina de venganza muy aceitada, decidida a derribar a Amato por cualquier medio necesario, dejando a su esposa, ex pareja y sacerdote como un daño colateral emocional.
La configuración es tan similar a On the Waterfront que Warners distinguió su producto al sustituir CinemaScope y Warnercolor por el natural naturalismo en blanco y negro de la película de Kazan. La acción cambió de la oscura e invernal de Nueva York de la novela original de William P. McGivern, The Darkest Hour, a los cielos deslumbrantes y soleados de San Francisco. Este cambio tiene sus consecuencias. McGivern’s New York no es solo una ubicación meticulosamente descrita, geográfica y culturalmente específica. Sus calles estrechas y laberínticas, espacios industriales traicioneros, lugares de entretenimiento con sombra y cubículos estrechos de habitación dan forma a los personajes y determinan su comportamiento. Además, McGivern, cuyos libros fueron adaptados anteriormente como películas de suspenso notables como The Big Heat(1953) y Rogue Cop (1954), parece haber escrito la novela como un tratamiento extendido para una película negra, conservando la luz que deja entrar en la oscuridad que lo abarca todo; Hay muy poco color en la novela.
Este entorno oscuro y claustrofóbico es también un escenario moral en el que las elecciones que hacen hombres y mujeres tienen consecuencias tanto espirituales como materiales. En gran parte en las comunidades inmigrantes irlandesas e italianas, el catolicismo en la novela es a la vez una presencia cotidiana: el sacerdote incrustado en la comunidad, las imágenes, las estatuas y los crucifijos que decoran cada hogar, y un criterio metafísico contra el cual los personajes son juzgados y juzgados. sí mismos. Está claro desde su primera aparición en The Darkest Hourque Steve (de apellido Retnick en el libro) se ha vuelto tan amargado por su necesidad imperiosa de venganza que le ha roído el alma y la ha puesto en grave peligro. Aunque la novela es una pieza de ficción criminal perfectamente presentable sobre un detective que también es un criminal condenado, sobre la investigación de un delito y la exposición de la criminalidad, también es una alegoría de la revelación espiritual y la redención. La novela se basa en referencias a los ojos, a mirar, ver y mirar, lo que crea un mundo materialista de personas vivas en espacios vivos. Pero la verdadera visión de la novela es del tipo visionario interno: al principio, Steve, habiéndose construido a sí mismo en la imagen holística de un caballero vengador, no puede hacer frente a esta revelación y busca la autoaniquilación. El empuje espiritual de la novela de McGivern,agon finalmente deriva del existencialismo católico de Graham Greene.
La película duda en ir tan lejos. Antes de que pueda ser redimido, Steve de McGivern debe acercarse a la condenación: cruza la línea moral al poner en marcha el asesinato de un pequeño matón, lo que hace que su cómplice arrepentido intente suicidarse. No se le pide a Ladd que acepte tal carga, y aunque frunce el ceño lo suficientemente bien, su sonrisa ocasional revela una calidez que promete que Steve estará bien. A pesar del cambio en el título para indicar un infierno en la tierra, hay poca locura metafísica en la película. La primera escena de Steve con el sacerdote en el club de boxeo de sus hijos simplemente sirve para ubicar el Infierno en Frisco Bay en la tradición de las películas de crímenes de Warner como Angels with Dirty Faces(1938) La parafernalia religiosa en la casa de Amato indica el marco moral que el gángster viola persistentemente, pero es la actuación magistral de Robinson lo que atrapa la inquietud detrás del mal de los graneros, las reservas de culpa y la incapacidad de amar (a pesar de su nombre) que Amato desvía al pinchar a otros ». debilidades
En cualquier caso, las composiciones clásicas equilibradas del veterano director Frank Tuttle y su ritmo de trabajo medido contra cualquier tipo de expresionismo febril (Tuttle dirigió anteriormente el clásico negro This Gun for Hire [1942], que convirtió a Ladd en una estrella). En términos más generales, el cambio de ubicación a San Francisco no se compensa con una exploración de la geografía distintiva de esa ciudad; compare Hell in Frisco Bay con una película lanzada tres años después sobre otro detective obsesivo y misógino cuyo destino es controlado por un siniestro hombre mayor, el Vértigo de Alfred Hitchcock. Esto no quiere decir que no haya locura ni emoción en la película. Rollins rechaza a su esposa por una breve aventura que tuvo cuando él se negó a verla en prisión; sus emociones reprimidas hacia ella reaparecen en los lugares más extraños. En un momento, Rollins visita a Marcia (Joanne Dru) en su club nocturno donde trabaja: en un disparo extraordinario y fácil de perder, la palpitante sombra de su micrófono mientras canta parece quemar su pelvis en castigo. Sea lo que sea lo que Steve pueda decirse a sí mismo y a los demás, este no es un hombre que haya terminado con su esposa . La trama de venganza es una coartada, un Maguffin, para continuar el paralelo de Hitchcock, o un medio por el cual Steve puede demostrar que es digno de Marcia una vez más.
Lo que la historia pierde en un sentido en la transferencia a San Francisco, lo gana en otro. El movimiento hacia el oeste convierte el Infierno en Frisco Bay en un Western moderno, con Rollins como el vengador solitario y lacónico que limpia la ciudad controlada por un monopolista con una monomanía casi paródica (todos los barcos, edificios y carteles en los muelles proclaman AMATO). Dos años antes, Ladd había presentado su actuación más recordada en Shane (1953), reflejada en una escena encantadora aquí con un hijo tratando de defender a su débil padre, mientras que a principios de año Robinson se había destacado como otro monopolista (esta vez dueño de un rancho) perdiendo su control en The Violent Men de Rudolph Maté(1955) En la década de 1950, las certezas de los míticos occidentales se estaban convirtiendo en ansiedades sobre el Destino Manifiesto y los héroes individualistas, sentimientos que fueron reprimidos durante la era conformista de Eisenhower, pero que estallarían en crisis en toda regla en la década de 1960. La infraestructura de corrupción y complicidad tácita en Hell on Frisco Bay abarca el capitalismo, la policía, la iglesia y la familia. Si Rollins tiene éxito en enfrentar el mal que amenaza el tejido cívico estadounidense, es abandonando su individualismo inconformista y aceptando la amistad, la lealtad y el amor. Si esto es algo más que una victoria pírrica, la descripción clara de Tuttle de la corrupción endémica nos deja en la duda. Infierno en la bahía de Friscopuede haber sido concebido como una repetición oportunista de On the Waterfront dirigida por otro chillido, pero al evitar la histeria mesiánica y egoísta de Kazan, el director Tuttle logra producir un trabajo más astuto, aunque artísticamente inferior.
La transferencia de Blu-ray de Warner Archive es casi tridimensional en su claridad, aunque los lados de la imagen se tambalean cada vez que la cámara se mueve lateralmente, presumiblemente debido al proceso anamórfico original utilizado. El único extra es un trailer.
Alan Ladd estaba experimentando problemas de salud antes de hacer Hell on Frisco Bay . Además del proceso de envejecimiento que afecta su autoestima, tuvo que posponer hacer la película hasta que se recuperara de la varicela. Luego, justo antes del final de la filmación, Ladd atrapó su pie en el cable de un bote con Edward G. Robinson gritando una advertencia evitando que se lastimara gravemente. Pero desafortunadamente, este fue el comienzo de accidentes extraños, enfermedades y una cadena enervante de percances autodestructivos. Aún así, Hell on Frisco Bay se ganó una reputación menor como un retroceso agradable: una película de los años cincuenta con todo el entusiasmo de su contraparte de los treinta, lo que hace que los fanáticos de Ladd lamenten haber elegido no revivir a su tipo rudo callejero con más frecuencia en su última década. de estrellato.
Mientras tanto, Edward G. estaba teniendo problemas personales suyos. Su hijo estaba a punto de divorciarse y nuevamente estaba en problemas con la ley, la esposa de Robinson, Gladys, estaba teniendo episodios psicológicos y una vez más exigía el divorcio. Parafraseando las memorias de Robinson, asumir este papel fue fácil, pero su vida podría haberse titulado «Infierno en Beverly Hills».
Sin embargo, las críticas que recibió Robinson fueron buenas. Bosley Crowther, del New York Times, escribió que «cada vez que el Sr. Robinson se encorva en la escena, royendo cigarros y escupiendo cinismos, es divertido, interesante y bueno», mientras William K. Zinsser del New York Herald-Tribune declaró , «Este es el viejo malvado en la cima de su forma, saboreando cada minuto negro de su papel».
Lamentablemente, durante el rodaje se produjo una tragedia. Luis Tomei, piloto de carreras y especialista en cine, murió el 15 de mayo de 1955 en el hospital Cedars of Lebanon de una lesión en la cabeza que recibió el doble de Robinson en una escena de pelea filmada en la Bahía de San Francisco. Aparentemente, Tomei fue arrojado contra un accesorio de metal del bote en el que estaba, sufriendo una grave lesión en la cabeza. Fue llevado de regreso a Los Ángeles para hospitalización, pero murió sin haber recuperado la conciencia. Tomei era ampliamente conocido en las carreras automovilísticas occidentales, ya que compitió en carreras de pista corta a principios de la década de 1930.
Para 1955, Alan Ladd ya había subido a la cima de Paramount: tenía las fotos para demostrarlo. Sus famosas parejas con Veronica Lake; un par de docenas de películas occidentales, de aventuras y de guerra; y su papel icónico en Shanehabía cimentado su condición de hombre duro rentable, popular entre damas y caballeros. Trece años después de que estalló, su rostro puede haber mostrado un poco más de grosor de mediana edad y su contrato con Paramount puede haber estado en el espejo retrovisor, pero, con la intención de controlar su destino, había formado sus propias Producciones Jaguar. Era la forma más segura de mantener una lista regular de imágenes mientras estaba a cargo del material de la historia elegido y del elenco y el equipo que lo rodeaba. Además del control creativo, poseer una parte de las ganancias a través de acuerdos de distribución con los principales estudios (para la gran mayoría de los proyectos fue Warner Bros.) significó más dinero tanto en el futuro como en el futuro. Este sentido maduro y profesional informa todos los aspectos de la segunda película de Jaguar (siguiendo a Delmer Daves al mando del westernDrum Beat ), Hell on Frisco Bay , una película de policías y gángsters que podría haber sido carne de estudio en cualquier momento en los últimos 25 años. A saber, Edward G. Robinson interpreta al líder pesado y jefe de la mafia, Victor Amato, una elección de casting tan segura como darle un papel de chupasangres a Bela Lugosi. (Aunque James Cagney fue la elección inicial para este papel, el punto sigue en pie). Cuando se trata de producir imágenes, la familiaridad genera un beneficio saludable.
Hablando de apegarse a las acciones de uno en el comercio, el novelista William P. McGivern hizo una industria de historias de policías que se fueron por completo. Las novelas de McGivern proporcionaron planos para varias películas de crimen de la era Eisenhower: Glenn Ford dispensando justicia en The Big Heat (1953) de Fritz Lang ; La corrupción de Edmond O’Brien en Shield for Murder y Robert Taylor en el papel de un hábil grafter con una insignia en Rogue Cop (ambos en 1954); mientras que el ex policía de Ed Begley es el peor de todos en Odds Against Tomorrow(1959) McGivern escribió «The Darkest Hour» en 1954 y Ladd arrebató los derechos de la película antes de que la tinta se secara. Sin duda, Ladd podría imaginarse fácilmente a sí mismo como el protagonista Steve Retnick (cambiado a Rollins en la película), un ex policía cuya sentencia de cinco años en Sing Sing por un cargo de homicidio culposo le había hecho pensar en el pensamiento solitario. venganza. Ladd reclutó a los guionistas Sydney Boehm y Martin Rackin para abordar la adaptación. Una vez más, elegir a estos escritores fue una apuesta segura: Boehm ya había escrito The Big Heat y Rogue Cop , entre muchas otras películas de crimen, y Rackin había escrito la película de Bogart contra la mafia The Enforcer (1951).
La dirección de la imagen fue asignada a Frank Tuttle, cuyo This Gun for Hire (1942) había sacado a Ladd del sótano proverbial de (en su mayoría) papeles no acreditados en las películas de serie B. Esta reunión, un acuerdo de dos imágenes con Jaguar, le dio al veterano Tuttle la oportunidad de recuperarse después de una serie de fracasos. Fue un gesto cálido entregarle los reinados a un hombre que había estado en la industria desde la era del silencio. Después de su segunda película de Jaguar, A Cry in the Night (1956), protagonizada por Edmond O’Brien , Tuttle solo dirigiría una película más antes de su muerte en 1963 a la edad de 70 años. Completan este equipo de profesionales consumados el director de fotografía John F. Seitz, quien había fotografiado a Ladd en su mejor momento, incluyendo This Gun for Hire (1942); Calcuta(1947); Saigón (1948); El gran Gatsby (1949); y Chicago Deadline (1949) . Él continuaría como un elemento básico de la tripulación Jaguar. El diseñador de vestuario Moss Mabry había dejado su huella solo unos meses antes en la historia de la cultura pop al adornar a James Dean con una cazadora de nylon roja. Y debe mencionarse a Max Steiner, quien contribuye con una puntuación sonora apropiada.
Apoyando a Ladd y Robinson hay un elenco de tazas familiares, incluido el ex miembro del Mercury Theatre de Orson Welles, Paul Stewart (quien prestó su siniestra presencia a Kiss Me Deadlyel mismo año); El habitual de Preston Sturges, William Demarest; y un joven Rod Taylor (presentado aquí como Rodney). Si los nombres Willis Bouchey o Anthony Caruso no le son familiares, le garantizo que sus caras desgastadas sí lo son. Es muy probable que Joanne Dru disfrutara de estar en un lugar no occidental, y sus escenas cantando en el elegante club nocturno de medianoche azul de la película The Lookout Room brindan un agradable respiro de los ataques de puñetazos. Fay Wray interpreta a una actriz de cine lavada a la edad madura de 35 años. Su tête-à-tête con Edward G. Robinson es la escena más cargada de la película («¡Eres un campesino asqueroso!»), Ya que deslumbra al gángster, exponiendo completamente su represión sexual y antipatía hacia su devota esposa católica romana. Esté atento a Mae Marsh, jugador de valores para DW Griffith y John Ford, como la casera de Steve.
Para una película con un tema sombrío, hay una familiaridad extrañamente reconfortante en cada aspecto de Hell on Frisco Bay : la nítida fotografía Cinemascope / Warnercolor; la mezcla de ubicaciones auténticas de San Francisco y, obviamente, decorados con escenarios (me encanta ver especialmente el letrero del ferrocarril del Pacífico Sur, «SP», en el horizonte en miniatura); y el elenco veterano golpeando todas sus marcas. Es difícil imaginar que estuvo en los cines aproximadamente al mismo tiempo que On the Waterfront (1954) y Rebelde sin causa (1955), dos películas que indudablemente forjaron el estilo de los años venideros, ya que parece estar lejos del mundo. del primero y la histriónica del segundo. Es una película que se remonta a la Edad de Oro.