Ray, Nicholas

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2. Collins, Thomas W. «Ray, Nicholas: American National Biography Online – oi» . doi : 10.1093 / anb / 9780198606697.article.1803478 . Consultado el 17 de febrero de 2018 .
3.  http://ecx.images-amazon.com/images/I/91jbcCsiuuS.pdf
4. Nicholas Ray: El glorioso fracaso de un director estadounidense. 2012, p. 3.
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15. Anthony Ray, Actor, productor nominado al Oscar, y el Hijo del director Nicholas Ray, muere a los 80
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17. Nicholas Ray y Susan Ray,fui interrumpido: Nicholas Ray haciendo películas, University of California Press, 1995, página xliii.

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tomado de clementinelagranpantalla

«Si todo ya estuviera en el guión, ¿para qué hacer la película?«

(Nicholas Ray)

Hoy se cumple el centenario del nacimiento del director norteamericano Nicholas Ray, figura esencial en la historia del séptimo arte.

Raymond Nicholas Kienzle nació en Galesville (Wisconsin) el 7 de Agosto de 1911. A los 16 años ganó una beca en la universidad que él eligiera tras presentar un proyecto de serie en una emisora de radio. En 1929, otra beca le permitía estudiar arquitectura junto al célebre Frank Lloyd Wright, evidente influencia posterior en la obra cinematográfica del director, sobre todo en la composición de la imagen y en la búsqueda de la línea horizontal que él definiría como “una determinada manera de emplazar la mirada sobre las cosas”.

Tras abandonar la arquitectura y trasladarse a Nueva York, Raymond se incorpora como actor al New York Theatre junto a un grupo de intérpretes, directores y autores preocupados por realizar un teatro centrado en mostrar y debatir los problemas sociales. En este grupo se encontraban los directores Elia Kazan y Joseph Losey y el dramaturgo Clifford Odetts.

En 1935 es dirigido por Elia Kazan en la obra “The young go first” y por Joseph Losey al año siguiente en “Injuction granted”, utilizando ya aquí su nombre artístico de Nicholas Ray.

Ese mismo año comienza a dirigir teatro y emprende estudios sobre la música folk americana, los cuales aprovechará a principios de los años cuarenta al trabajar en la radio en CBS creando junto a Alan Lomax el programa de radio “Back where I come from” dedicado a la música folk.

En 1941, el actor y productor estadounidense John Houseman es nombrado por la Office of War Information director del programa de radio de propaganda «La Voz de América«, y coge a Nicholas Ray como su ayudante, trabajando juntos durante toda la Segunda Guerra Mundial.

Y en 1944 le llega a Ray la oportunidad en Hollywood de colaborar como ayudante de dirección de su ya buen amigo Elia Kazan en “Lazos humanos«.

Nicholas Ray debutó en 1949 como director en la gran pantalla con “Los amantes de la noche”, una producción de la RKO protagonizada por Cathy O’Donnell y Farley Granger que basaba su guión en la novela de Edward Anderson.

Ese mismo año, dirigió a Humphrey Bogart y John Derek en «Llamad a cualquier puerta«. Y a Maureen O’Hara, Melvyn Douglas y Gloria Grahame (que había contraído matrimonio con Ray en 1948) en «Un secreto de mujer«.

Y en 1950, repetía con Bogart y Grahame como protagonistas de “En un lugar solitario”, clásico hoy del género del cine negro basado en una historia de Dorothy B. Hughes.

Tras “Nacida para el mal” y “La casa en sombra”, ambas protagonizadas por Robert Ryan, Nicholas Ray le volvía a dirigir en “Infierno en las nubes” (1951), producción bélica de la RKO basada en una historia de Kenneth Garnet donde Ryan compartía cartel con John Wayne.

Y tras dirigir a Susan Hayward, Robert Mitchum y Arthur Kennedy en el western “Hombres errantes”, Nicholas Ray volvía en 1954 a este mismo género con “Johnny Guitar”, clásico del cine del Oeste cuya historia, basada en la novela de Roy Chanslor, su música, partitura inolvidable de Victor Young, y un excelente reparto en el que figuraban Joan Crawford, Sterling Hayden, Ernest Borgnine y John Carradine, entre otros, la han convertido ya en un referente del americano cine del Oeste. 

«Jimmy Cagney tiene una gran serenidad que no he visto en otro actor que no fuera Walter Huston«

En 1955, Ray dirigía a James Cagney, Viveca Lindfords y Ernest Borgnine en un nuevo western llamado “Busca tu refugio“, producción de la Paramount Pictures con un guión de Winston Miller basado en una historia de Harriet Frank Jr. e Irving Ravetch.

“Me di cuenta de que James Dean necesitaba un clima especial para una colaboración exitosa. Necesitaba tranquilidad, tolerancia y comprensión«

Ese mismo año, Nicholas Ray rodaba otra película que sería con el tiempo otro clásico del cine, “Rebelde sin causa”. James Dean fue elegido por Ray para protagonizar esta película un año después de rodar “Al Este del Edén” a las órdenes de Elia Kazan.

Los dos compañeros de reparto de Dean en “Rebelde sin causa”, Natalie Wood y Sal Mineo, fueron nominados al Oscar por sus interpretaciones, así como el guión, firmado por el propio Ray.

En la segunda mitad de la década de los 50, Nicholas Ray dirigió los dramas “Más poderoso que la vida” y “Sangre caliente”, la bélica “Amarga victoria”, en coproducción con Francia, el western “La verdadera historia de Jesse James”, con guión de Nunnally Johnson, y el drama naturalista, producción de la Warner Bros, “Muerte en los pantanos”.

“Me impresionó sin duda el compromiso de Robert Taylor. Trabajó para mí como un actor verdadero del método. Recuerdo que Taylor iba a un osteólogo, estudiando detenidamente los rayos X y haciendo la preguntas pertinentes para simular correctamente que el dolor que expresaba era debido a la pierna lisiada de su personaje«

Y “Chicago, años 30”, otro gran clásico del cine negro que reunía en su reparto nombres como Robert Taylor, Cyd Charisse, Lee J. Cobb o John Ireland.

Un soberbio Anthony Quinn protagonizaba en 1960 la película más entrañable de Nicholas Ray, “Los dientes del diablo”, una maravillosa coproducción entre Reino Unido, Francia e Italia que contaba también en su reparto con un excelente Peter O’Toole.

Ray firmaba también el guión de esta preciosa historia basada en la novela “El país de las sombras largas”, escrita en 1950 por el autor suizo Hans Ruesch.

En 1961, Nicholas Ray dirigía a Jeffrey Hunter en “Rey de reyes”, una gran producción de Samuel Bronston sobre la vida de Jesús con una majestuosa banda sonora de Miklós Rózsa.

Y en 1963 rodaba su último largometraje, “55 días en Pekín”, otra gran producción de Samuel Bronston que se convirtió con el tiempo en otro clásico fundamental de la historia del cine.

«Magnífica aventura dirigida por un Ray que día a día iba cambiando el guión, lo que, paradójicamente, no alteró el resultado final de la historia. Un clásico del cine de aventuras«

(Fernando Morales. Diario El País)

Charlton Heston, Ava Gardner y David Niven  protagonizaban  una historia épica envuelta en la siempre magistral música de Dimitri Tiomkin.

Como actor, Nicholas Ray fue dirigido en 1945 por Elia Kazan en “Lazos humanos”, por Milos Forman en 1979 en el musical “Hair” e incluso en 1977 por Wim Wenders en un cameo en “El amigo americano” compartiendo cartel aquí con Dennis Hopper. También apareció como actor en dos de sus propias películas, “Rebelde sin causa” y “55 días en Pekín.

Como cineasta, influyó en una generación de directores, principalmente europeos, tales como Jean-Luc Goddard o el propio Wenders. Y aunque rara vez apareció en los créditos como guionista, reescribió gran parte de sus guiones, por lo general con el apoyo de sus actores. Y también alentaba mucho la improvisación.

De sus propias películas, su favorita siempre fue “Rebelde sin causa”, siendo además la de mayor éxito comercial. Pero también estaba orgulloso de su trabajo en “Los amantes de la noche” y “Hombres errantes”.Y él mismo admitió que “En un lugar solitario” fue una película muy personal.

«Sabía que quería trabajar y morir trabajando”

(Wim Wenders)

A finales de los años 70, ya enfermo terminal de cáncer, Nicholas Rayconvenció a Wim Wenders para que viajara a Nueva York y rodara con él su epitafio cinematográfico. De un guión conjunto entre los dos cineastas surgió “Relámpago sobre el agua”, película documental sobre los últimos días del director americano donde hablaba de los distintos artistas que intervinieron en sus películas.

El 16 de Junio de 1979 nos dejaba, a los 67 años de edad, uno de los cineastas más personales de la historia del cine. Gracias, Nicholas.

«Cuanto más me acerco a mi fin,

más cerca estoy de reescribir mi comienzo«

(NICHOLAS RAY)

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tomado de elpais

El pasado domingo falleció en Nueva York, a los sesenta y siete años, Nicholas Ray, a consecuencia de un cáncer de pulmón que tenía desde hace doce años. Considerado como uno de los grandes directores de la posguerra, su obra cinematográfica constituye uno de los puntales más importantes del cine norteamericano de los años cincuenta.

Tras una brillante carrera en Hollywood, el productor norteamericano Samuel Bronston le contrata en 1960 para hacer en España una de sus más importantes películas. A pesar de los múltiples desacuerdos entre ambos, que llevan a variar el montaje y los diálogos, el éxito de Rey de reyes(1961), una ambiciosa visión de la vida de Jesucristo, impulsa a Bronston a encargar a Ray la dirección de la más cara de sus superproducciones. 55 días en Pekín (1963), con su gran reparto, sus miles de extras, su guión de Philip Yordan, que Ray reescribe todas las noches durante el rodaje, y donde se puede encontrar la soledad y el romanticismo que caracterizan sus mejores obras, es el mayor fracaso de su carrera. Las desavenencias entre Bronston y Ray alcanzan un límite cuando Ray cae enfermo y, según un rumor que se extiende entre sus admiradores, Bronston exagera la importancia de la enfermedad para que Ray no aparezca por el rodaje y la película la acaben Robert Parrish, Andrew Marton y Guy Green, desfigurando por completo el proyecto original.Desde este momento, Ray, convertido en la encarnación de sus propios personajes, vaga por Europa a la búsqueda de un productor para sus múltiples proyectos, sin encontrarlo jamás. Alcoholizado, enfermo del cáncer que ha terminado de matarle, es fácil ver a Ray en el Festival de Cannes, cambiándose de ojo el parche que caracteriza a los mejores directores norteamericanos. En los dieciséis años que separan 55 días en Pekín de su muerte sólo consigue hacer una interesante película underground, We can’t go home again (1973), producida, escrita, fotografiada, dirigida e interpretada por él, y uno de los sketchs que componen Sueños húmedos (1974), que actualmente se exhibe en Madrid, también interpretada por Ray.

Su tímida carrera de actor, iniciada al interpretar el papel de embajador norteamericano en 55 días, en Pekín, y que termina con su aparición en la reciente versión del musical Hair, le lleva a ser el protagonista de sus últimas películas y a trabajar a las órdenes de algunos de sus más fieles admiradores y amigos. En 1977 interpreta el personaje de un pintor en El amigo americano, del alemán Win Wenders, que actualmente se exhibe en Madrid. Esto hace que mientras Wenders prepara en Estados Unidos, para Francis Ford Coppola, Hammett, biografía del famoso creador de la «novela negra», Ray y Wenders ruedan, para la productora alemana de este último, Lightning Over Water,película sobre la que nada se sabe, que se anuncia como «Nicks movie, a film by Nicholas Ray and Win Wenders». Esta obra, que iba a marcar la vuelta de Ray a la industria cinematográfica, es el punto final de una desgraciada carrera que, tras alcanzar las más altas cimas, es segada por la incomprensión de los grandes productores, con los que Ray siempre tuvo problemas.

Un director maldito

El 7 de agosto de 1911 nace en La Crosse (Wisconsin) Nicholas Raymond Kienzle, que posteriormente reduciría su nombre a Nicholas Ray. Estudia arquitectura en la Universidad de Chicago y obtiene una beca para trabajar con el famoso arquitecto Frank Lloyd Wright. Este aprendizaje es clave para sus futuras concepciones cinematográficas y para el abundan te uso que hace del cinemascope en su obra. Atraído por el mundo del espectáculo, trabaja como autor y director en la radio y como ayudante de Elia Kazan y John Houseman en sus montajes teatrales.Víctima de los más duros años de la censura del general Franco, sólo se estrenan en España la mitad de sus películas, y lo hacen distorsionadas y mal. Sus trabajos más importantes son difundidos por televisión durante la etapa en que programación cinematográfica era modélica, a principios de los años setenta. Tal vez para compensarle de este mal trato, el Festival de San Sebastián le nombra presidente del jurado en 1974 y organiza una retrospectiva de su obra.

En 1947, Houseman le produce The live by night, su primera película. Es una personal adaptación de una «novela negra» de Edward Anderson, donde se aprecia el lirismo, la rebelión de los jóvenes contra los adultos, la ambigüedad moral y la fascinación por la violencia que caracterizan su obra. La compra de RKO por el multimillonario Howard Hughes supone que su estreno se retrase tres anos y que pase inadvertida. In a Lonely Place (1949), una de sus mejores obras, con Humphrey Bogart en un papel de guionista escéptico y amargado, da una visión muy negra del Hollywood de la época. Aunque aparentemente Johnny Guitar (1953) es un western tradicional, tiene las características del cine de Ray: el héroe solitario, un marcado tono romántico, un mundo de simbólicas miradas. Rebelde sin causa (1955), en virtud de ser una de las tres interpretadas por James Dean, es una de sus películas más conocidas. De nuevo aparece el enfrentamiento entre jóvenes y adultos, la frustración del protagonista, que busca un refugio solitario donde poder vivir con su amada y no logra encontrarlo. Bigger than life (1956), drama de un hombre, interpretado por James Mason, que se droga con cortisona para evadirse de la dura realidad que le rodea, es una de sus obras maestras, nunca estrenada en España.

A pesar de las alteraciones introducidas por el productor en La verdadera historia de Jesse James (1956), el resultado queda lejos de los westerns tradicionales y se con vierte en una nueva exposición de las preocupaciones de Ray. Menos interés tienen Bitter victory (1957) y Wind across the everglades (1958), que por enfermedad de Ray acaba su productor y guionista. En Chicago, año treinta(1958) mezcla, dentro de su esquema habitual, el cine de gangsters y la comedia musical. En Los dientes del diablo (1960), coproducción entre Inglaterra, Francia e Italia, que por primera vez le trae a trabajar a Europa, vuelve a quedar muy claro su planteamiento del héroe solitario que busca dónde poder vivir en paz y tranquilidad. Por culpa de sus desavenencias con Samuel Bronston, tanto Rey de reyes como 55 días en Pekín, sus más ambiciosos proyectos, quedan lejos de sus planteamientos y marcan el final de la obra de uno de los mejores realizadores de la generación que debuta en cine después de la segunda guerra mundial y que es uno de los últimos grandes del cine clásico norteamericano.

* Este artículo apareció en la edición impresa del Martes, 19 de junio de 1979

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tomado de indiewire

Adorado por la camarilla francesa y Cahiers Du Cinema, que luego se convirtió en la rebelde New Wave francesa, que generó la frase Jean-Luc Godard, citada a menudo como «el cine es Nicholas Ray «, el cineasta estadounidense nunca recibió su merecido fuera de la única película suya que la mayoría de los espectadores han visto (e incluso entonces, posiblemente no se dan cuenta de que la dirigió): » Rebelde sin causa».«. Y mientras esa icónica película de los años 50, con sus colores audaces y expresionistas, su apasionada angustia y angustia, su mezcla de silencioso machismo y vulnerabilidad, es quizás la piedra angular de muchas de las películas de Nicholas Ray: un melodrama vibrante en la superficie, percolando agonía emocional. En el interior, ciertamente es solo la punta del iceberg cuando se trata de la carrera del director.

Comenzando como un posible actor, Ray se mudó a Nueva York, donde apareció en el gran debut teatral de Elia Kazan . Esto llevó a la experiencia revolucionaria de Ray en Hollywood, como asistente en la película debut de Kazan, » A Tree Grows in Brooklyn » (1945) y después de solo dos años más de ayudar en otras películas, además de dirigir una producción de Broadway y un programa de televisión, el director RKO le dio su primer disparo con » They Live by Night «, que se retrasó dos años gracias en parte a la adquisición del estudio por parte de Howard Hughes .

Impresionista e íntimo para su época, «They Live By Night» no era su película promedio, y lanzó la búsqueda particular e idiosincrásica de Ray de la condición humana, a menudo marcada por su audaz chapa melodramática y sus simpatías por los marginados juveniles y los alienados anti- heroes Lo que ataba el cuerpo de trabajo de Ray era un enfoque en los tipos duros y sensibles, emocionalmente magullados y inadaptados con un tremendo anhelo. En el set de 1953 » The Lusty Men » occidental de Ray , la incansable búsqueda de la esencia emocional de una escena en lo que se suponía era solo un drama de rodeo con un triángulo amoroso, provocó que el protagonista Robert Mitchum bromeara diciendo que la película solo tenía Se improvisaron 17 páginas de un guión y el resto, para llamar a Ray un «místico».

Bisexual, con una notoria y terrible predilección por las relaciones tóxicas (la actriz de » In A Lonely Place «, Gloria Grahame, finalmente se casó con el hijo de Ray después de que se disolvió su tumultuosa unión; rumores de un romance con Natalie Wood , de 16 años, 27 años entre él y Dennis Hopper ), la vida fuera de la carrera cinematográfica de Ray fue difícil, por decir lo menos, y su afición por el consumo de alcohol y drogas hizo que el cineasta rechazado por Hollywood cuando llegara el principio de los años sesenta. Después de colapsar en el set de » 55 Días en Pekín » en 1963, Ray no volvería a dirigir hasta mediados de la década de 1970, y para todos los propósitos y propósitos su carrera ya había terminado.

Ray murió en 1979 de cáncer de pulmón cuando estaba filmando » Lightning Over Water «, que estaba destinado a ser un documental de colaboración sobre la naturaleza de la vida y la muerte con el devoto apóstol Ray Wim Wenders (quien también lo hizo en un pequeño papel en la década de 1977 » The American Friend ”), pero finalmente terminó como una crónica desgarradora de la decadencia y muerte de Ray.

Pero aunque gran parte de su carrera fue ignorada y / o poco apreciada por la crítica, Ray siempre ha tenido a sus campeones entre los cinéfilos. Como se mencionó, la Nueva Ola francesa lo adoró durante su apogeo en la década de 1950 ( François Truffaut fue otro gran admirador), y las generaciones posteriores se unieron detrás de él, como Wenders, Martin Scorsese , Jim Jarmusch , Philip Kaufman (quien una vez intentó montar un biopic de su vida), Oren Moverman (quien lo escribió), Curtis Hanson y muchos más. Sin embargo, aún, incluso para los estándares cinéfilos, el trabajo de Ray es relativamente desconocido. Tal vez eso está cambiando lentamente: la colección de criterioslanzó su primera película de Ray («Bigger Than Life») en 2010, y espero que sea solo el comienzo de lo que marcará el comienzo de una nueva era de apreciación para el cineasta. Con 24 características realizadas durante un período de 16 años (y una característica y algunos cortos hechos en los años 70 después), Ray quemó la vela brillantemente, pero en ambos extremos, probablemente en su propio detrimento. Aún así, dejó un indeleble cuerpo de trabajo que, en su peor momento, merece ser revisado, y en su mejor momento proporciona momentos de genio inspirado, estilizado y altamente excéntrico. En el 33 aniversario de su muerte, presentamos cinco elementos esenciales de Nicholas Ray que debe observar. Dirígete a la página 2 para más. 
«They Live By Night» (1949)
Hay algunos, incluyendo Francois Truffaut, quien declara que la mejor película de Ray fue su primera, » They Live By Night » de 1949. Y si está de acuerdo o no, es difícil discutir el hecho de que hizo una película enormemente realizada para una película de debut. Ray había helmed la Duke Ellington musical “ del mendigo de vacaciones ” en Broadway en 1946, y el productor John Houseman (que había sido Orson Welles ‘colaborador de largo tiempo hasta que se quedaron fuera en “ Ciudadano Kane “) se le acercó después con Edward Anderson ‘s Novela de la época de la depresión, » Thieves Like Us «, pensando que su experiencia en el Departamento de Agricultura lo haría una buena opción para el proyecto. RKONo estaba tan seguro, y fue solo cuando el progresista Dore Schary se convirtió en el jefe de producción del estudio que el proyecto comenzó a avanzar. Un amante relativamente simple en la historia de la carrera (más tarde rehecha bajo el título original de Robert Altman ) sobre Bowie ( Farley Granger ), un hombre condenado erróneamente por asesinato que se escapa de la prisión con un par de ladrones de bancos, se enamora de Keechie ( Cathy O’Donnell), solo para ser forzado a regresar a una vida de crimen por parte de sus compañeros escapados, la película incluye una declaración de misión audaz y expansiva sobre los créditos de apertura; siguiendo al auto que lleva a los contras escapados desde el aire en lo que se cree que es el primer helicóptero disparado en las películas. La tierna poesía del romance entre Granger y O’Donnell es dulce: los amantes son una pareja mucho más enraizada que el dúo central de » Bonnie & Clyde » o » Badlands «.»(Una película que se siente como si estuviera siguiendo los pasos de Ray), y significa que hay un verdadero golpe a la trágica conclusión, entre otras cosas gracias a los temas sociales (los criminales apuntan el dedo a los bancos que roban como lo real Los villanos es un punto bastante atemporal). Y Ray tiene un control notable, dirigiendo como si lo hubiera estado haciendo todos los días de su vida. Mientras la película estuvo en un estante durante dos años, gracias a que Howard Hughes se hizo cargo de RKO, y la compañía no estaba segura de cómo comercializar la película, llegó a ser ampliamente vista en Hollywood incluso antes de su lanzamiento en noviembre de 1949, lo que llevó a Humphrey Bogart a contratar Ray dirigirá » Llamar a cualquier puerta «.

» In A Lonely Place » (1950) 
¿Alguna vez hubo un director tan adepto como Ray que tomó elementos familiares del género y les dio una historia completamente inesperada? Si tiene alguna duda con respecto a la preeminencia del director en este ámbito, ¿podemos señalarle la dirección de » En un lugar solitario «, mejor, aunque inadecuadamente, descrito como un drama con elementos noir? Comenzando como un misterio homicida estándar, la película (y el público) pierde rápidamente interés en la trama de la novela policial, se enreda y se absorbe por completo en el drama interpersonal y el retrato psicológico en el que evoluciona. Dix ( Humphrey Bogart, una elección de reparto extrañamente inspirada) interpreta a un guitarrista descolorido y descolorido (¡alerta de metatextualidad!) con un carácter desagradable que se convierte en el principal sospechoso en un caso de asesinato, solo para ser suministrado con una coartada por su hermoso vecino, Laurel Gloria Grahame, en un giro espectacular). Se enamoran, y Dix comienza a escribir de nuevo. Pero ante la creciente sospecha policial, la peor naturaleza de Dix comienza a manifestarse en arrebatos violentos y celos posesivos hacia Laurel hasta que, en uno de los desenlace más bellamente equilibrado de todos los tiempos, casi la mata (ahogando su propia posibilidad de redención en el proceso), incluso cuando suena el teléfono para hacerle saber que ha sido autorizado. Sin duda, es un potboiler, y un tanto salaz, pero «In a Lonely Place» es también una de las películas más inteligentes de Ray, y casi podría servir, junto con ciertos clásicos de Shakespeare, como texto de clase sobre cómo es el destino el personaje. . De hecho, los impulsos de dirección lejos del noir y hacia el drama psicológico conducido por el personaje están bellamente ilustrados en la historia del final de la película: originalmente fue para culminar en la moda real, con Dix descubriendo que se ha demostrado que es inocente solo después de haber matado a Laurel. Si bien ese fin sin duda hubiera sido adecuado para un tratamiento más pulposo, Ray lo cambió para dejar a Laurel aún con vida, y Dix aparentemente un hombre libre. De alguna manera, el conocimiento de que ella vive, pero lo desprecia y lo teme, y él tiene que enfrentar el futuro solo con el conocimiento de su propia monstruosidad y nada tan catártico como una sentencia de prisión que esperar, se convierte en una tortura más exquisitamente apropiada para el personaje. Grandeza. De alguna manera, el conocimiento de que ella vive, pero lo desprecia y lo teme, y él tiene que enfrentar el futuro solo con el conocimiento de su propia monstruosidad y nada tan catártico como una sentencia de prisión que esperar, se convierte en una tortura más exquisitamente apropiada para el personaje. Grandeza. De alguna manera, el conocimiento de que ella vive, pero lo desprecia y lo teme, y él tiene que enfrentar el futuro solo con el conocimiento de su propia monstruosidad y nada tan catártico como una sentencia de prisión que esperar, se convierte en una tortura más exquisitamente apropiada para el personaje. Grandeza.

» Johnny Guitar » (1954) 
Tienes que amar a esos críticos franceses de la nueva ola por hacer que intelectualmente esté bien adorar a » Johnny Guitar”- el híbrido Pic / Western de Women’s-trashy-to-the-the-camp, talky Western / Women’s Pic, rescatándolo así de la categoría de» placer culpable «al que podría pertenecer. Usted ve, como lo puede sugerir esa engorrosa descripción, hay casi demasiadas cosas aquí: rivalidades femeninas venenosas, viejas llamas, robos a bancos, atracos de asaltos, linchamientos, tiroteos, traiciones, incendios, intrigas, una buena medida de bloqueo de pollas y Un montón de cambios de última hora en el corazón, todos filmados en tecnicolor fetichable y pictórico. La película debe ser un completo desastre, pero de alguna manera, aunque cada elemento individual se sienta de forma extraña al lado de cualquier otro, el conjunto está tan bien orquestado como para que, en algún nivel visceral, sea completamente satisfactorio. Joan Crawford, su cara casi una abstracción de una cara debajo de una máscara, un maquillaje pesado, juega a Vienna, de quien de alguna manera se supone que debemos creer que es una chica ex-hooker / berlina que se abrió camino hacia su sueño de ser dueña de su propia negocios: un salón construido aparentemente en el medio de la nada que pagará dividendos una vez que el ferrocarril se enrute por él. Crawford es simplemente una presencia demasiado patricia, demasiado férrea, demasiado majestuosa para vender convincentemente esa historia de fondo, y su severidad inflexible dificulta a los hombres que la aman parecer nada más que cifras cifradas en comparación. Pero eso es parte del placer aquí: hasta en la confrontación climática entre dos mujeres (Crawford y una maníaca Mercedes McCambridge ), esta película no simplemente reemplaza los arquetipos occidentales masculinos con mujeres (» Calamity Jane«No lo es), en realidad permite que su narrativa se convierta en melodrama alrededor de sus mujeres, por lo que lo que obtenemos es casi subversivo para el género occidental. Al parecer, Crawford, como era su costumbre, se peleaba con prácticamente todos en el set, especialmente Sterling Hayden , (el héroe de esta película solo en el título), y McCambridge (más tarde, la voz del demonio en » The Exorcist«), Que se refirió a ella como» una dama mezquina, poderosa, con huevos podridos «. Y tal vez eso muestre: como una película es un embrollo fascinante de caracterizaciones en conflicto y cadenas de historias que pueden no ser profundas, pero ¿verdad? escribió grande. Pero como una introducción a algunas de las preocupaciones de Ray (extraña, el pasado frente al presente, la violencia masculina, el poder dinámico en las relaciones) y el estilo (tecnicolor teatral, staginess, wordiness) es bastante, bueno, esencial. 
» Rebelde sin causa » (1955) 
Incluso aquellos que no conocen la carrera de Ray en su totalidad conocen a » Rebelde sin causa » de 1955 , gracias principalmente a la trágica muerte de la estrella James DeanSólo unas pocas semanas antes de que la película llegara a los cines. Pero para todos los Rubberneckers, la película aún se mantiene muy bien hoy, incluso si no es el mejor absoluto de Ray. La película comenzó como nada más que una simple película B, tomando prestado el título del estudio psiquiátrico de Robert M. Lindner » Rebelde sin causa: el hipnoanálisis de un psicópata «, que Warners había optado una década antes, y el estudio intentaba para mantenerlo barato, ordenó a Ray que filmara en blanco y negro, hasta que Dean estalló en » East Of Eden «, momento en el que ordenaron que las escenas ya filmadas se rehicieran en (glorioso) color. Dean interpreta a un joven, recién llegado a una escuela secundaria de Los Ángeles y ya en problemas con las autoridades, que se topa con sus compañeros de clase Plato (Sal Mineo ) y Judy ( Natalie Wood ), quienes lo reconocen luego de haber sido llevados a la estación de policía esa misma noche. El trío está furioso con sus compañeros, con la complacencia (o ausencia) de sus padres inconscientes y con el mundo que los rodea, de una manera infinitamente más empática y realista que la casi histérica del mismo año » Blackboard Jungle».«. Pero hay una riqueza más allá de eso, una corriente oculta de anhelo sexual e inevitable, locura fatal que se siente más como una tragedia griega que una obra de Shakespeare. El guión es probablemente el enlace más débil: las líneas pueden hacer ruido, empujando el tema en texto en lugar de subtexto, y se siente anticuado en algunos lugares. Y probablemente no sea el esfuerzo de dirección más impresionante de Ray, aunque está tan impecable como en escena como siempre. Pero la pura furia que siente, gracias en particular a las excelentes actuaciones de Wood, Mineo y especialmente a Dean (quienes se enfrentarían a la trágica suerte de ellos mismos) todavía se siente como un petardo.    

» Más grande que la vida » (1956) 
Nunca fue raro que Ray centrase sus melodramas en torno a los protagonistas plagados de confusión, duda, ansiedad y dolor, y la confluencia de estos feos problemas psicológicos profundamente arraigados como una confluencia con cabeza de hidra. angustia en » Más grande que la vida «, una imagen que algunos argumentan es su obra maestra indiscutible. Basado en un artículo publicado en 1955 en The New Yorker por el escritor médico Berton Roueché,titulado » Ten Feet Tall «, en la narrativa audaz y expresionista de Ray de esta historia, el gran James Masoninterpreta a un hombre de familia y a un maestro de escuela de un pueblo pequeño conducidos a la locura por el mal uso de una nueva droga maravillosa. Sufriendo de apagones y dolor severo, el maestro es diagnosticado con una rara inflamación de la arteria que puede matarlo. Los médicos le dicen a Mason, a sus amigos y familiares (su esposa es interpretada por Barbara Rush , una colega interpretada por Walter Matthau) que lo único que puede salvarlo es el uso experimental de Cortisone. Inicialmente, respondiendo bien al tratamiento, el gentil y cariñoso personaje de padre, esposo, maestro de Mason eventualmente se transforma en un monstruo despótico en su casa y cerca de un psicópata en todas las demás vías de su vida cuando comienza a abusar de la droga y su adicción se manifiesta como un sufrimiento. Ardor de estómago del alma. Sacudiéndose y saltando de color, sombras y melodrama salvaje y animado, tanto Mason como Ray interpretan la película, como su título lo sugiere, más grande que la vida. Filmado en el glorioso CinemaScope, nada sobre «Más grande que la vida» es sutil, pero el sentimiento exagerado de la imagen está desmentido por su sufrimiento genuinamente incómodo y su verdad emocional. Una revelación de la adicción y una condenatoria excoriación de la vida suburbana y la parte más vulnerable de la pintoresca era de Eisenhower de la pureza de la valla de piquete de los 50, «Bigger Than Life» fue un fracaso en ese momento, y su crítica de la vida familiar fue desalentadora. Para aquellos que lo vieron. Pero rescatado de la oscuridad por elCriterion Collection (solo en 2010, que parece una década atrasada, pero tomaremos lo que podamos conseguir), es de esperar que sea la primera fase de una revalorización a gran escala de la obra del cineasta atrevido.

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tomado de theguardian

Nicholas Ray no era el tipo de cineasta que se retiraba en silencio. El inconformista director detrás de Rebelde sin causa, Johnny Guitar y Bigger Than Life poseían un temperamento notoriamente maldito y, a pesar de ser uno de los directores mejor pagados de Hollywood en la década de 1950, estaba siempre en quiebra. Perseguido por problemas financieros y de salud hasta su muerte en 1979, los últimos años de su vida fueron especialmente turbulentos. No obstante, como un estreno mundial de la versión restaurada de su película experimental, We Can’t Go Home Again , en el festival de cine de Venecia ha quedado claro, la década de 1970 estuvo lejos de ser una década perdida para Ray. De hecho, en medio del caos, emprendió algunos de sus trabajos más radicales y aventureros.

No podemos volver a casa es lo que se esperaría de la improbable colisión entre un director subversivo en sus últimos años y un grupo de estudiantes aún despedidos por el radicalismo de la contracultura. Las terribles circunstancias económicas de Ray lo habían llevado a aceptar un trabajo como profesor en Harpur College, parte de la Universidad de Binghampton en Nueva York, en 1971. Los estudiantes se sorprendieron ante este titán del viejo Hollywood que aparecía de repente en medio de ellos. Con su cabello plateado y su afición por los parches, parecía un cruce entre Long John Silver y un personaje de la película Easy Rider de su amigo Dennis Hopper . (Hopper le había escrito una carta de recomendación para el puesto de Harpur).

Inevitablemente, Ray adoptó el mismo enfoque caótico y despreocupado de la enseñanza como lo hizo con sus arreglos domésticos. En lugar de sermonear a los estudiantes, los reclutó para hacer una película, que resultó ser «No podemos ir a casa otra vez». Su filosofía era que debían aprender haciendo.

En el espíritu de los tiempos, es una producción decididamente autorreflexiva. Ray y los estudiantes se juegan a sí mismos, haciendo una película juntos. «¿No hiciste esa película esquimal con Anthony Quinn?» Un estudiante pregunta, refiriéndose a la película de Ray sobre los Inuit, The Savage Innocents . Un segundo alumno le dice: «Crees que lo sabes todo solo porque hiciste películas y eres viejo». En otra escena, vemos a Ray luchando con un trozo de cuerda. «Hice 10 malditos westerns y ni siquiera puedo atarme una soga», se queja el director. Hay efectos de color de pantalla dividida y de estilo psicodélico, además de desnudos y fumar marihuana. El resultado es tremendamente indulgente pero con suficientes notas de gracia para mantenerte mirando, sin importar cuán desconcertado estés.

En algún nivel, We Can’t Go Home Again es una pieza complementaria de (o reflejo retorcido de) la película más conocida de Ray, Rebel Without a Cause , aunque hecha con colaboradores menos talentosos que James Dean, Natalie Wood, Hopper y Sal Mineo. . Rebelde se hizo con el poder completo de Warner Bros en lugar de unas pocas cámaras prestadas, pero Ray estaba famoso por los delincuentes y los entusiastas de la calle cuya subcultura estaba haciendo una crónica. Buscó activamente su cooperación y amistad. El ex líder de la pandilla de Los Ángeles, Frank Mazzola, quien trabajó en Rebelde y luego se convirtió en editor de películas, dijo: «A la mayoría de los directores de Hollywood no les gustó mi tipo por ninguna razón … pero Nick se convirtió en un amigo muy querido». En Harpur College, el enfoque era exactamente el mismo. Los estudiantes se mostraron halagados y entusiasmados de que Ray quisiera poner su mundo en una película.

Por consenso común, el Nick Ray de mediados de la década de 1970 fue una figura muy difícil, incluso para los más cercanos a él. Su viuda, Susan Ray, acaba de completar un documental sobre él, No esperes demasiado , que también se proyectó por primera vez en Venecia. Ella defiende a su marido hasta la empuñadura. «No era un materialista. Aunque disfrutaba de las cosas buenas y disfrutaba de los buenos restaurantes, no necesitaba vivir en lugares lujosos y no le gustaba quedarse con el dinero. Apostaba mucho, mucho».

Pero en el documental de Ray, escuchamos cómo el editor de sonido de Francis Ford Coppola, Walter Murch, asumió que Ray era un vagabundo sin hogar cuando llegó a los estudios Zoetrope de Coppola. Antes de que se secara en 1976, Ray era alcohólico. Su comportamiento era a menudo errático y autodestructivo. Uno de los aspectos más tristes del documental de Susan Ray es cómo los estudiantes que lo veneraban poco a poco perdieron al menos parte de su fe en él.

Aún así, incluso en el estancamiento de la adicción al alcohol y la pobreza, Ray poseía una extraordinaria ética de trabajo. Incluso en «We Can’t Go Home Again», mantuvo la capacidad de persuadir a los actores de sus actores. Pero después de una proyección de trabajos en curso en el festival de cine de Cannes en 1973, se vio obligado a archivar la película cuando se quedó sin dinero. Continuó jugueteando con él hasta su muerte en 1979, pero nunca se terminó.

Ray intentó poner en marcha su carrera después de la debacle preparando una película con la estrella porno Marilyn Chambers (que luego aparecería en la película de David Cronenberg en 1977, Rabid ). Ray le dijo a Variety: «Ella es de una familia de clase media alta de Connecticut y creo que puede hacer la transición del porno al trabajo cinematográfico legítimo. También creo que con el tiempo podrá manejar cualquier cosa que la joven Katie Hepburn o Bette Davis podría «.

Puede haber parecido una táctica cínica de un director desesperado, pero Susan Ray (quien iba a producir el proyecto) señala que su esposo podría «probablemente obtener un rendimiento de cualquiera». Si el casting de Chambers era la forma de obtener financiamiento para una película, eso solo era prudente. Según Ray, Chambers iba a interpretar a «alguien no muy lejos de lo que ella hizo, pero ponla con Rip Torn y tienes algo interesante». La película nunca se hizo.

A Ray, sin embargo, nunca le han faltado los acólitos. Un admirador temprano y ferviente fue Jean-Luc Godard (quien escribió «el cine es Nicholas Ray»), al igual que François Truffaut . El director alemán Wim Wenders eligió a Ray en un papel de actor en The American Friend y co-dirigió la última película de Ray, Lightning Over Water. El asistente de Ray en ese momento, y brevemente visible en las secuencias documentales de Lightning Over Water, es el futuro cineasta  Jim Jarmusch . Un devoto más joven es el actor James Franco., cuya película biográfica de Rebelde sin causa, el actor Sal Mineo también se estrenó en Venecia esta semana. Otro proyecto de Franco inspirado en Rebel Without a Cause, y creado con el artista escocés Douglas Gordon, se presentó en la Bienal de Venecia.

Los que mejor conocieron a Ray aún mantienen la llama. «En última instancia, era un hombre que ama profundamente», dice Ray. «No me refiero a sus infidelidades. Fue un momento de experimentación y ambos experimentamos. No fue infiel en las formas que importaban». Aún así, la libreta de direcciones de Ray estaba llena de nombres de las estrellas y productoras más poderosas de Hollywood. Algunos le ayudaron. Otros no lo hicieron. «Nick los agotó», dice Susan. «La gente lo amaba. Era muy amable, pero después de que activó las alarmas en el Zoetrope de Coppola unas cuantas veces, ¡se convirtió en algo terriblemente inconveniente!»

Pero la línea de sadismo pragmático y maquiavelismo de Ray estaba allí cuando estaba trabajando con los estudiantes de Harpur en los años 70. Entraron en el proyecto esperando la riqueza y la fama; él fue rápido para eliminar tales ilusiones de ellos. Lo que quería de ellos era compromiso y sinceridad. Podía ver en un instante cuando estaban fingiendo. Dice Susan sobre su fiereza, citando un dicho tibetano: «Trata a tu gurú como un fuego. Acércate lo suficiente para obtener el calor, pero no tanto como para quemarte».